Entrevista con Withtom: una visión única de la fotografía musical

Interview avec Withtom : Une Vision Unique de la Photographie Musicale

Conozcamos a Tom Giangrasso, más conocido como Withtom. Con sólo 19 años, este fotógrafo marsellés destaca en el trepidante mundo del rap. Con dos años de intensa experiencia en este campo, rápidamente se hizo un nombre gracias a su talento y pasión. Sin embargo, su andadura artística comenzó seis años antes, en un marco radicalmente diferente: la fotografía de paisaje. Fue esta fascinación por capturar la belleza natural lo que despertó en él el amor por la fotografía. Entonces, ¿cómo logró un fotógrafo de paisajes capturar la energía cruda y la intensidad del mundo del rap? Hoy nos brinda el placer de compartir su recorrido, sus experiencias y sus perspectivas en el mundo de la fotografía musical.



¿Qué te hizo querer convertirte en fotógrafo y cuándo supiste que era tu pasión?

Siempre me ha apasionado la música desde pequeña.

También me gustaban mucho las imágenes, cuando era adolescente tomaba fotos de todo lo que me rodeaba con mi primer teléfono, durante un viaje tomé prestada la SLR Canon de mi madre, ahí experimenté el modo manual, cuando entendí cómo manejar la luz nunca paré.

Cuando unos años después me pidieron que dirigiera mi primer vídeo musical entendí que podía convertir esta pasión en algo aún más completo y así me especialicé en la música.

Todo estaba ahí, sólo había que juntarlo todo.


¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración en la fotografía? ¿Puedes contarnos sobre un proyecto que esté particularmente cerca de tu corazón y qué lo hace especial para ti?


Me gusta mucho la interpretación de películas y fotografías espontáneas, como por ejemplo las de Saul Leiter. Me inspiro mucho en las pinturas impresionistas por la textura que le doy a mis fotografías, como si la tinta fuera luz dejando un rastro. Es una pregunta complicada, pero creo que en general lo que hace especial a un proyecto es el pensamiento antes de producir las imágenes. El momento en el que hablas con el artista, en el que empiezas a entenderle y surgen las ideas. Todo el proceso de dirección artística, traducir el sonido en algo visual de forma coherente, encontrar lo que conecta a ambos. Una vez que lo encuentres, tendrás aún más ganas de disparar y podrás hacerlo sin perderte. Eso es lo que me gusta de este trabajo.

Recientemente, colaboraste con Bekar. ¿Cómo se hizo la conexión para la creación de la portada?

Conocí a Bekar este verano mientras estaba de vacaciones en Marsella durante un micrófono abierto. Hablamos un poco en ese momento y tomamos algunos retratos. Él ya conocía mi trabajo. Cuando regresó a finales de febrero, después de haber terminado su álbum, me contactó nuevamente para que pudiéramos probar algo con el libreto. Creo que este es el proyecto más eficaz en el que he trabajado hasta la fecha. A las 11 recibí su mensaje, a las 12 escuché el disco y a las 15 rodamos. Estuvimos toda la noche retocando en discordia con el diseñador gráfico Salu Cv quien probó el maquetado, los logos y al día siguiente lo enviaron al sello. Realmente disfruté este proyecto. Había mucha química entre Bekar, Raf, su manager y Salu Cv. Me impresionó la velocidad entre la imaginación y la realización de las ideas, así como su apertura de miras. Ellos me entendieron directamente y confiaron bastante ciegamente en mí.



¿Cómo utilizas el desenfoque en tus fotografías para crear una atmósfera o efecto particular? ¿Qué técnicas prefieres utilizar para conseguir efectos de desenfoque, ya sea en postproducción o durante el rodaje?

En cuanto al desenfoque, siempre lo hago durante el rodaje, nunca en postproducción hasta ahora. Yo diría que lo uso más del 50% en cada sesión. Empiezo tomando fotografías borrosas para encontrar un encuadre que me guste gráficamente porque elimina muchos detalles. Mi mirada se centra primero en el lado gráfico. Luego, cuando encuentro este marco, empiezo a enfocar o desenfocar un poco menos pronunciado, esto me permite agregar los detalles que quiero o no. Realmente lo veo como tinta. Al difuminar el plano, es como si ya estuviéramos realizando una postproducción. Por ejemplo, en conjunto, un cable negro se convierte en una raya negra abstracta que el ojo humano no reconoce. Es como una herramienta de borrador mágico cuando la usas, jaja. Creo que lo que más me fascina es poder capturar no un momento congelado sino un segundo, medio segundo de un movimiento. En mi opinión, sentimos más vida, es como si estuviéramos montando una docena de fotografías en ráfaga en stop motion, excepto que es en una sola foto. Lo veo como tomar un video y congelarlo en una imagen manteniendo el movimiento. Para mí es mágico".




¿Cómo describirías tu proceso creativo, desde la idea inicial hasta la creación final de una fotografía?

En ce qui concerne le processus créatif (pour n'importe quel shooting qui tourne autour de la musique), l a première étape, l'essence même de chaque création consiste vraiment à me focaliser sur la musique, ce que j'entends me fais ver. . En un álbum necesariamente hay uno que me habla más. En cuanto lo escucho noto un color que me recuerda. Empieza así, luego los demás lo completan y me hacen pensar en detalles, distintos tonos de un mismo color. Después de escuchar un proyecto tengo en mente el color, la atmósfera que quiero que despida. Luego, hablo con el artista sobre su relación con la música y lo que le evoca este proyecto. Muy a menudo, la discusión deriva hacia algo más que la música, pero es entonces cuando logro descubrir qué le puede gustar o no.

Luego, acordamos algunas inspiraciones usando imágenes de Pinterest y luego comenzamos a disparar. También hay gran parte de improvisación. Voy a una sesión con una idea y luego al tomar esta foto, paso a otra cosa y funciona en un embudo hasta el momento en que miro la pantalla y siento que es esta o esta serie la que funciona. Una parte súper importante también es el retoque. Hago muy poco en el estudio, casi siempre trabajo con luz natural por lo que la edición es fundamental para mí. Edito mis fotos solo en Lightroom, no en Photoshop, me gusta mantener el lado natural y no agregar demasiadas texturas o colores que no están presentes en la foto sin editar. Diría que el montaje me sirve para aclarar la intención, la emoción que quiero darle a la foto, pero no para transformarla.



Si tuvieras que elegir una canción o pieza musical que mejor represente tu estilo fotográfico, ¿cuál sería y por qué?

Yo diría “Larga vida” de Laylow. Ya sea en términos de producción, es difícil expresarlo con palabras, pero la textura, el grano de la voz, este lado crudo y agresivo y estas notas largas siempre me han inspirado visualmente. Además, personalmente, Laylow es uno de los artistas que mejor fotografío. Casi no tengo que adaptarme, la actitud está ahí, ¡todo lo que tengo que hacer es disparar!

También trabajaste con Damso. ¿Cómo se hizo la conexión? ¿Puedes contarnos más sobre tu colaboración?

En junio pasado, cubrí el festival Marsatac donde tuvo su primera cita en el festival. La seguridad nos había sacado de las barreras protectoras para su espectáculo, pero aun así intenté disparar desde la audiencia. Quedé feliz con las fotos, pero no fue mi mejor serie, incluso dudé por un momento en publicarlas. Lo cual afortunadamente lo hice, porque después de la publicación, Ritchie, su manager, se comunicó conmigo. Me dijo que a él y a Damso les encantaron las imágenes y que les gustaría que cubriera una cita con ellos. Entonces me fui a París para hacer Solidays con ellos. Funcionó tanto humana como artísticamente, a él le gustó mi visión y yo tenía carta blanca. La escenografía ya era increíble en ese momento, así que me lo pasé genial, hice cuatro o cinco fechas en festivales. Quedaron satisfechos con el trabajo así que me fui de gira por toda Francia con ellos, en los cines la escenografía era aún más loca. Fue mi primera gira como fotógrafo, así que fue una experiencia súper interesante. Al ver la cantidad de personas trabajando en un proyecto de esta magnitud, los diferentes oficios, ¡conocí gente genial! Gracias a Damso por todas las discusiones que pudimos tener, fue muy enriquecedor. Me alegra ver que artistas como él también participen en la imaginación del concepto visual y las ideas para acompañar su espectáculo musical. Es alguien que realmente trabaja en muchos aspectos, ¡eso es bastante respetable! Felicitaciones a Samuel Chatain y Cut-Back Live por el diseño visual, la producción real de la escenografía, ¡porque realmente tenía un escenario increíble disponible para filmar! Incluso habiendo hecho quince fechas, no pude inmortalizarlo todo así que el trabajo fue monstruoso.
No he compartido algunas imágenes de esta gira pero es por una buena causa..."



¿Cómo fue la experiencia de cubrir una gira por primera vez? ¿Cuáles fueron los mayores desafíos que enfrentó?

Siempre he estado inmerso en la música, mi padre me llevaba a ver conciertos desde muy pequeña y siempre me fascinó el ambiente que emana.
Lo que me llamó la atención desde el principio en esta primera gira con Damso fue ver la impresionante cantidad de oficios diferentes presentes con un objetivo común: ofrecer a los espectadores el mejor espectáculo posible, visual, acústicamente... y conseguir que el artista esté lo más cómodo posible. posible en el escenario.

De hecho, fue mi primera gira, así que cuando comencé esta gira, había cubierto algunos conciertos y festivales en mi haber, pero solo con el acceso a los medios que a menudo fallaba. Cuando trabajas para el artista en cuestión, tienes acceso a prácticamente toda la sala. En la primera cita tuve una gran sensación de libertad y es felicidad cuando ya no tienes esa frustración en la que te dices "ahh, si estuviera en tal o cual lugar, podría tener esta foto, eso sería ufff". , etc. » Honestamente, es genial cuando estás del otro lado de las barreras, no tienes este estrés constante, no te preguntas si podrás quedarte. cuanto tiempo ? ¿Dónde?… Artísticamente libera la mente, sólo puedes pensar en tu entorno y crear de verdad. Pero ojo, obviamente, hay cosas a las que debes prestar atención cuando estás tan libre.
Como tu forma de disparar se ve afectada por tanta movilidad, me resulta difícil encontrar el equilibrio adecuado para disparar correctamente. Hay que tener en cuenta que se pierden decenas de fotos cada segundo y hay que aceptarlo, creo que hay un importante elemento de azar cuando se inmortaliza un concierto. Personalmente, en la primera fecha de la gira, podía moverme tanto por todos lados que corría sin parar, me estrellaba a los lados del escenario, en las gradas para intentar tener cierta diversidad... y perdí. mucho tiempo haciéndolo, me doy cuenta después. Es mejor, cuando filmas el mismo espectáculo varias veces, elegir un lugar favorito por concierto y cambiarlo para cada fecha.

También está la trampa de acceso total. Cuando puedes acercarte lo más posible a un artista al que es tan difícil llegar, lo haces, y muchas veces demasiado. Me sorprendí varias veces por reflejo acercarme a los lados del escenario muy cerca del artista y decirme "sí, el ángulo es genial solo porque estaba cerca" y eso es humano ya que es un ángulo que pocas personas ven, así que inmediatamente piensas. de inmortalizar, pero en última instancia la escena... está optimizada para la vista desde las gradas justo en frente, así que ¿por qué acercarse?

Es una gran experiencia de cuestionamiento, manejo del tiempo y el espacio, aprendí muchas cosas.
Entonces el problema con el acceso o, por el contrario, las restricciones y el éxito, especialmente en torno a la música, es que rápidamente se crea una jerarquía (obviamente imaginaria) en la cabeza de las personas. Un fotógrafo tiene este acceso, otro no, entonces algunos se sienten frustrados, hay una barrera que a veces se pone y es una pena porque hay suficientes artistas para cada fotógrafo y más en 2023, así que todos tendrán su parte de trabajo. Cuando gravitas hacia figuras públicas, de repente todo el mundo se interesa por ti y creo que, una vez más, es un gran ejercicio. Di un paso atrás del mundo del rap, vi este ambiente más desde un punto de vista general que lo que había visto en las redes cuando tenía 14, 15 años, donde directamente nos ponían estrellas en los ojos. Eres joven, ves muchos fotógrafos que publican fotos de estrellas, te dices eso es lo que quiero hacer pero en las redes no diferenciamos entre fotografiar a alguien y trabajar con él, bueno rara vez aunque sea Esto es ¡demasiado importante! Entonces, en términos de conciencia, una experiencia increíble. Artísticamente fue mi periodo más ocupado desde que comencé con la fotografía, tengo más de 18.000 fotos de esta gira así que me sirvieron en ediciones, etc... Pero sobre todo aprendí muchas cosas sobre la industria musical, es genial y Fue necesario para mí posicionarme mejor en relación a la fotografía como trabajo, me permitió diferenciar trabajo y ocio.



¡Súper interesante! ¿Hay alguna cámara o lente que uses más que otras? ¿Tiene algún equipo “de ensueño” que le gustaría tener algún día?

No puedo ir a ningún lado sin mi compañero constante, mi Sony A7 III. Para elegir el objetivo, si no tengo idea de lo que voy a fotografiar, siempre tomo mi viejo 50mm 1.4 de Canon, es una montura de película con un anillo adaptador para digital, que a mí me sirve. Aspecto ya bastante vintage antes del retoque. Por último, agrego un filtro de niebla profesional de 1/4 a esta lente para difundir un poco la luz y da un resultado más suave.

¿Con qué artistas te gustaría colaborar en el futuro?

Hoy en día no tengo particularmente ningún artista con el que me gustaría trabajar, prefiero ver qué es lo próximo que me espera, siempre tenemos mejores sorpresas cuando pensamos así. Pero para responder a esta pregunta de todos modos, realmente me gustaría trabajar a nivel internacional. No tengo artistas específicos, pero puedo ir y tomar fotografías para un artista en el extranjero, en los EE. UU. o en cualquier lugar.

¿Estás aprendiendo nuevas habilidades fuera de la fotografía?

Honestamente, recurro mucho al video, pero en este momento estoy muy interesado en observar y aprender. Ya he hecho bastantes clips pero tengo muchas ganas de adquirir otras habilidades para encontrarme artísticamente en el vídeo, en la dirección... Estudio cine al mismo tiempo que fotografía, por lo que aprender el 7º arte y su lenguaje ha sido mi preocupación en los últimos meses.

¿Qué consejo le darías a los fotógrafos jóvenes que quieran dedicarse a la fotografía de moda o al trabajo de estudio?

He hecho muy poco en el estudio (de hecho, estoy pensando mucho en dedicarme a ello en serio), pero hoy en día, fotografío con mayor frecuencia con luz natural o con iluminación de concierto, así que si tengo algún consejo que dar (y este es sólo mi visión de las cosas), diría que entender cómo se escribe la luz en un sensor, entender el triángulo de exposición y, sobre todo, practicar Lightroom una y otra vez. Para mis fotos, calculo que es 50% disparo, 50% retoque para las más artísticas. Para mí no hay que dudar en intentar montajes que vayan más allá de las normas, en aportar una propuesta visual y saber defenderla y de verdad, me repito, pero antes hay que entender cómo llega la luz a escribir sobre un sensor o película, es diferente en cada modelo, cada lente y luego vendrá por sí solo después de miles de activaciones. Y la última palabra: DISPARO MANUAL.



¿Cuáles son tus planes o ambiciones futuras para tu carrera como fotógrafo?

Comparto poco por el momento en las redes, trabajo en diferentes proyectos, algunos que puedo revelar, otros no. Pero sorprende porque desde la última entrevista que me hicieron las cosas han cambiado radicalmente en apenas 2, 3 meses. Actualmente tomo muchas menos fotos, trabajo más en escribir clips, contar historias, gestionar proyectos porque son cosas en las que sé que tengo un largo camino por recorrer y quiero volver a preocuparme por cosas nuevas. Trabajo principalmente en preparar proyectos futuros para mis viejos, mucho con Baddack, el artista del que llevo la dirección artística general, estoy aprendiendo mucho sobre música, cómo llevar a cabo un proyecto, cómo qué aportar. y cómo defenderlo. ¡Estamos preparando cositas muy chulas con el colectivo de rap La Marmite para este verano! Por último, generalmente amplío mi actividad a otras cosas además de la fotografía aunque obviamente continúo, sigue siendo mi sector principal, y podría ser en un futuro próximo o lejano que se realice una exposición... ¡a ver!

Gracias a Hytrape por esta entrevista, es un ejercicio realmente pesado, ¡una gran fortaleza para ti!

¡Gracias, fue un placer hablar sobre tu pasión! ¡Solo fuerza para el futuro! ;)

Esta entrevista con Tom Giangrasso, también conocido como Withtom, nos ofreció una inmersión fascinante en el mundo de un fotógrafo apasionado y talentoso. Su viaje artístico, salpicado de descubrimientos y aprendizajes, es una fuente de inspiración que nos recuerda que el viaje creativo es tan cautivador como el producto final. El compromiso de Withtom con su arte y su constante impulso por innovar sólo pueden inspirar respeto. Aunque ya está consolidado en el mundo del rap francés, está claro que no ha hecho más que empezar. Withtom continúa ampliando los límites de su arte y explorando nuevos horizontes. No hay duda de que veremos muchas más de sus obras emblemáticas en los próximos años. Esperamos seguir su progreso y descubrir lo que nos depara el futuro. Muchas gracias a Withtom por esta enriquecedora y edificante entrevista.

Puedes encontrar su trabajo en Instagram: https://www.instagram.com/withtom_/

Entrevista realizada por @teocomyn


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